世紀審判再現銀幕：不只是歷史，更是當代的鏡子

2025年尾聲，一部改編自真實歷史事件、匯聚羅素·克勞與雷米·馬利克兩大奧斯卡影帝的史詩級作品《紐倫堡大審判》（Nuremberg）登陸大銀幕。這部由詹姆斯·范德比爾特執導的電影，不僅僅是對1945-46年那場劃時代審判的再現，更是一場關於正義、邪惡本質與人性複雜度的深度心理探險。在當今國際局勢動盪、極端主義思潮暗湧的2025年，這部電影的問世，恰似一面歷史的鏡子，迫使我們重新審視「我們從歷史中學到了什麼？」這個永恆的命題。

電影《紐倫堡大審判》官方主視覺海報，呈現了赫爾曼·戈林（羅素·克勞 飾）與道格拉斯·凱利醫生（雷米·馬利克 飾）之間緊張的智力對決。

劇情核心：一場智力與倫理的危險遊戲

電影改編自傑克·埃爾-海伊的紀實文學作品《納粹與精神病醫生》，劇情聚焦於二戰結束後，美軍精神科醫生道格拉斯·凱利（雷米·馬利克 飾）被指派評估納粹德國最高領袖之一——帝國元帥赫爾曼·戈林（羅素·克勞 飾）的心理狀態，以判定他是否具備接受「紐倫堡審判」的資格。這本應是一項專業任務，卻迅速演變成一場危險的智力與倫理博弈。

凱利醫生試圖穿透戈林精心構築的防禦，剖析這位曾權傾一時、直接參與策劃大屠殺的戰犯內心。然而，在無數次的對話與交鋒中，凱利發現自己面對的並非一個簡單的「怪物」，而是一個極具魅力、智慧且對自身行為有著一套完整邏輯體系的複雜個體。兩人之間逐漸建立起一種令人不安的、近乎友誼的聯繫。電影巧妙地透過這個微觀的心理戰場，折射出宏觀的歷史難題：我們如何定義並審判「邪惡」？法律在面對系統性的暴行時，力量何在？

雷米·馬利克精湛演繹了道格拉斯·凱利醫生的內心掙扎，他必須在專業判斷與個人情感之間找到平衡。

影帝交鋒：羅素·克勞與雷米·馬利克的演技煉金術

本片最大的看點無疑是兩位主角的表演。羅素·克勞賦予了赫爾曼·戈林這個歷史人物驚人的多維度。他不再是教科書上臉譜化的惡魔，而是一個傲慢、機智、充滿領袖氣場，甚至在某些時刻流露出詭異人情味的角色。克勞精準拿捏了戈林作為前帝國第二號人物的尊嚴感，以及身為階下囚時仍試圖掌控局面的狡黠。他的表演讓觀眾理解（並非認同）了為何這樣的人能夠登上權力巔峰，並讓追隨者盲從。

另一方面，雷米·馬利克則完美詮釋了凱利醫生的理想主義與逐漸侵蝕的信念。從最初充滿使命感、相信理性分析可以解釋一切的精神科醫生，到後來在戈林複雜人格的迷宮中感到困惑與動搖，馬利克用細微的眼神變化與肢體語言，層層遞進地展現了角色的內心崩塌與重建。兩人之間的每一場對話戲都張力十足，宛如頂級棋手對弈，每一句台詞都是一步險棋。

羅素·克勞飾演的赫爾曼·戈林在法庭上，展現其作為納粹高層的氣場與面對審判時的複雜態度。

歷史的簡化與藝術的聚焦：電影引發的討論

如同任何歷史改編電影，《紐倫堡大審判》也面臨著「史實與戲劇性如何平衡」的質疑。有影評（如JSON中收錄的MovieGuys評論）指出，電影為了敘事集中，簡化了盟國內部的複雜政治角力，特別是蘇聯的角色被邊緣化，而將推動審判的功勞更多地歸於美國最高法院大法官羅伯特·傑克遜（麥可·夏儂 飾）。

然而，這種「簡化」或許正是導演詹姆斯·范德比爾特的刻意之舉。電影無意成為一部面面俱到的歷史紀錄片，而是選擇以「凱利-戈林」關係為棱鏡，去折射更核心的主題：邪惡的平庸性與非凡性並存。電影提醒我們，最可怕的邪惡往往包裹在理性、魅力甚至「正常」的外衣之下。這種對人性陰暗面的探究，在當今社交媒體助長極化言論、領袖個人魅力常被盲目崇拜的時代，顯得格外警世。

2025年的當代迴響：歷史從未真正過去

《紐倫堡大審判》在2025年上映，其時機值得玩味。全球在經歷了疫情、多地區域衝突與政治極化後，國際法與普世人權價值正受到新一輪的挑戰。電影中關於「戰勝國是否有權審判戰敗國領袖」、「何謂公正的審判」的辯論，在今天的國際法庭與輿論場中依然能找到迴響。

電影末尾引用了英國歷史學家R.G.柯林烏的名言：「『人類能做什麼』的唯一線索，就是『人類曾經做過什麼』。」這正是《紐倫堡大審判》超越娛樂層面的價值所在。它不僅是回顧一場審判，更是邀請觀眾思考：當類似戈林這樣的人物、或其所代表的意識形態碎片再次出現時，我們是否有足夠的智慧與勇氣去識別、去阻止？我們的法律與道德體系，是否比80年前更為堅固？

製作與群像：一幅厚重的歷史畫卷

除了兩位主角，電影的配角陣容同樣閃耀。麥可·夏儂飾演的羅伯特·傑克遜大法官，展現了法律人的堅毅與在複雜國際政治中周旋的無奈；理查·E·格蘭特飾演的英國檢察官大衛·馬克斯韋爾-法伊夫爵士，則帶有英式的冷峻與正義感。電影的美術設計與攝影成功地營造了戰後德國廢墟的蒼涼感與法庭內肅穆壓抑的氛圍，讓觀眾彷彿身臨其境。

在近兩個半小時的片長里，電影的節奏被部分評論認為略顯沉緩，但對於偏好歷史劇與心理劇的觀眾而言，這種沉緩恰恰是積蓄力量、醞釀爆發所必需的。每一場對話都值得咀嚼，每一個角色的選擇都引人深思。

結語：一堂不容錯過的歷史與人性課

《紐倫堡大審判》或許不會是票房最火爆的商業巨製，但它無疑是2025年最具份量、最發人深省的電影之一。它是一次頂級的演技盛宴，一堂深刻的歷史課，更是一場關於我們自身時代的危險演習。在娛樂至上的潮流中，這樣願意直面歷史黑暗、叩問人性複雜度的作品，顯得尤為珍貴。

正如影評人Brent Marchant在JSON收錄的評論中所說，這部電影是一個「強有力的警示故事」。它告訴我們，歷史的教訓從未過時，而最大的危險，莫過於遺忘與冷漠。走進影院觀看《紐倫堡大審判》，不僅是觀賞一部電影，更是參與一次對正義、記憶與人性未來的集體反思。

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引言：紐約聖誕夜的永恆魅力

時光飛逝，轉眼間《寶貝智多星續集玩轉紐約》（Home Alone 2: Lost in New York）已經上映超過30年。在2025年的今天，當我們重新觀看這部1992年的聖誕喜劇經典，會發現它不僅僅是一部單純的家庭娛樂片，更是一個時代的文化符號，承載著無數人的童年回憶和聖誕情懷。隨著串流平台的普及和每年聖誕節的重播，這部電影在YouTube上累積了超過1200萬次觀看，證明了其跨越時代的魅力。

劇情回顧：從芝加哥到紐約的升級冒險

還記得那個金髮小男孩凱文·麥卡利斯特嗎？在第一集中，他被遺忘在家裡獨自對抗兩個笨賊。到了續集，編劇克里斯·哥倫布將舞台從芝加哥郊區搬到了世界之都——紐約。這次凱文不是被遺忘在家，而是在機場的混亂中登錯了飛機，陰差陽錯地來到了紐約。

電影的開場就充滿了戲劇性：麥卡利斯特一家準備前往佛羅里達度過聖誕假期，但在機場的匆忙中，凱文跟隨錯誤的人群登上了飛往紐約的航班。這個設定雖然有些誇張，卻完美地延續了第一集的「粗心父母」主題，同時為凱文開啟了更廣闊的冒險舞台。

紐約作為第三主角：聖誕氛圍的極致呈現

如果說第一集的亮點是凱文精心設計的家庭陷阱，那麼續集的最大賣點無疑是紐約這座城市本身。電影將紐約的聖誕氛圍渲染到了極致：洛克菲勒中心的聖誕樹、第五大道的櫥窗展示、中央公園的雪景、玩具反斗城的夢幻場景……這些地標不僅是背景，更成為劇情推進的重要元素。

特別值得一提的是，電影中出現了當時的紐約地標——世貿中心雙子塔。在2025年的今天觀看，這一畫面帶來了複雜的情感。它不僅是電影的歷史見證，也提醒我們時代的變遷。YouTube上關於電影幕後的影片中，許多觀眾都特別提到這個細節，感嘆時光流逝。

角色深度：不只是搞笑那麼簡單

凱文的成長弧線

麥考利·卡爾金飾演的凱文在續集中展現了更豐富的性格層次。他不僅是那個機智過人的「小鬼」，更在紐約的冒險中經歷了情感成長。電影中他與鴿子女士（由布倫達·弗里克飾演）的互動尤其感人——兩個孤獨的靈魂在聖誕夜相遇，互相治癒。這一情節為這部喜劇注入了溫暖的人文關懷。

笨賊二人組的「升級」

喬·佩西和丹尼爾·斯特恩飾演的哈利和馬文這次從監獄逃出，誓言要向凱文復仇。他們的愚蠢和倒楣程度在續集中全面升級：從被油漆罐砸頭到觸電，從被磚頭砸到最後被鴿子攻擊……每一場「受難記」都設計得既誇張又合理，成為電影最大的笑點來源。

有趣的是，在YouTube的電影解說影片中，這對笨賊的受虐場景總是獲得最高的觀看次數和互動率。觀眾似乎特別享受看他們被凱文耍得團團轉的過程，這或許反映了人們內心對「邪不勝正」的永恆渴望。

配角群的精彩演出

蒂姆·克里飾演的酒店服務員、羅伯·施奈德飾演的行李員，這些配角雖然戲份不多，卻個個令人印象深刻。特別是蒂姆·克里那誇張的表演風格，為電影增添了不少喜劇色彩。

製作秘辛：你不知道的幕後故事

根據YouTube上流傳的幕後花絮影片，這部電影的拍攝過程充滿了有趣的故事：

• 川普的客串：電影中凱文在廣場酒店大廳問路時，給他指路的正是當時的房地產大亨唐納·川普。這個僅有幾秒鐘的客串在多年後因為川普成為美國總統而備受關注。
• 紐約實景拍攝：與第一集主要在攝影棚拍攝不同，續集大量使用了紐約實景。劇組獲得了在第五大道、中央公園等著名地標拍攝的許可，這在當時並不容易。
• 麥考利·卡爾金的片酬：憑藉第一集的成功，當時12歲的麥考利·卡爾金片酬飆升至800萬美元，成為當時片酬最高的童星。

文化影響：為何30年後依然經典？

聖傳統典的定義者

對於許多80後、90後來說，《寶貝智多星》系列幾乎是聖誕節的代名詞。每年聖誕季，電視台和串流平台的重播讓這部電影成為家庭團聚時的必看節目。在YouTube上，相關的電影解說、幕後揭秘影片總能在聖誕節前後獲得流量高峰。

喜劇節奏的教科書

導演克里斯·哥倫布精準地掌握了家庭喜劇的節奏：緊張與放鬆交替，笑點與溫情並存。電影的120分鐘片長幾乎沒有冷場，每個場景都精心設計。這種敘事節奏在今天的電影中已經很少見，這也是為什麼現代觀眾依然會被它吸引。

時代膠囊的價值

從凱文使用的老式錄影機、投幣式公用電話，到沒有智慧型手機的旅行方式，這部電影完美地保存了1990年代初的生活樣貌。對於年輕觀眾來說，這是一部歷史教材；對於年長觀眾，則是 nostalgia（懷舊）的觸發器。

現代重看：新時代的視角

在2025年重看《寶貝智多星續集玩轉紐約》，我們不可避免地會用當代的眼光審視它：

安全疑慮：今天，讓一個8歲孩子獨自在紐約闖蕩的情節可能會引起更多關於兒童安全的討論。但在電影的童話邏輯中，這正是冒險的開始。

消費主義的展現：凱文用父親的信用卡在紐約大肆消費，住五星級酒店、享受room service、購買昂貴玩具……這在今天是「熊孩子」行為，但在電影的語境中，卻是孩子獨立自主的象徵。

家庭價值的永恆性：儘管技術和社會在變，電影核心的「家庭價值」依然打動人心。凱文最終還是渴望與家人團聚，這種情感跨越了時代和文化。

演員現況：那些熟悉的面孔如今何在？

30年過去，電影中的演員們也走上了不同的人生道路：

• 麥考利·卡爾金：童星出身，經歷了事業起伏，近年以樂隊成員和偶爾的演員身份回歸公眾視野。
• 喬·佩西：憑藉《愛爾蘭人》等作品證明了自己的演技實力，依然是備受尊敬的演員。
• 凱瑟琳·歐哈拉：在《富家窮路》中的精彩表現讓她獲得了艾美獎，事業迎來第二春。

在YouTube上，有不少「演員今昔對比」的影片專門介紹這些演員的變化，觀看次數都相當可觀，顯示觀眾對他們現況的好奇。

結語：聖誕精神的永恆傳遞

《寶貝智多星續集玩轉紐約》之所以能夠歷經30年而不衰，是因為它捕捉到了聖誕節的本質：不只是禮物和裝飾，而是關於家庭、寬恕和奇蹟的信念。凱文在紐約的冒險，最終引導他理解孤獨的價值和家庭的可貴。

在2025年的今天，當世界變得更加複雜和不確定時，重溫這樣一部簡單而真誠的電影，或許能給我們一些溫暖的慰藉。它提醒我們，無論科技如何進步，時代如何變遷，人性中對連結、歡笑和希望的需求永遠不會改變。

這個聖誕節，不妨再次打開這部經典，和家人一起笑看凱文如何「玩轉紐約」。你會發現，有些快樂，真的可以持續30年，甚至更久。

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《聖母殺手》：當60歲女殺手遇上「博愛座」爭議，韓國動作片如何顛覆年齡與性別想像？

2025年的韓國影壇，一部改編自超人氣小說的電影《聖母殺手》（韓文原名：파과，英文片名：The Old Woman with the Knife）橫空出世，不僅在柏林國際電影節獲得矚目，更在亞洲各地引發熱烈討論。這部由閔奎東執導、李慧英主演的動作懸疑片，以一位60歲的傳奇女殺手「爪角」為主角，探討了年齡歧視、社會價值與人性羈絆等深刻議題。在台灣上映時，片商更巧妙地以「博愛座」作為宣傳切入點，讓這部電影意外成為社會議題的引爆點。

《聖母殺手》改編自韓國作家具竝模的同名小說，被譽為「韓國文學史上最強殺手小說」。故事講述在殺手組織「新星防疫」中，有一位被稱為「聖母」的傳奇殺手爪角（李慧英 飾）。她以剷除社會敗類為宗旨，行事俐落冷酷，在黑暗世界中被奉為神話般的存在。然而，年過六十的她，逐漸被組織視為過氣殺手，面臨被淘汰的危機。

「博愛座」爭議：電影宣傳與社會現實的巧妙連結

2025年7月，《聖母殺手》在台灣上映時，發行商鴻聯國際推出了一支名為「博愛座篇」的前導預告，迅速在網路上引發熱議。預告中，李慧英飾演的爪角坐在博愛座上，面對旁人的異樣眼光，她冷靜地說出：「你覺得我太老了，不該坐在這裡嗎？」這句話一針見血地戳中了台灣社會長期存在的「博愛座」爭議。

事實上，這支預告的創意並非偶然。電影本身就在探討「年齡歧視」與「社會價值」的議題。爪角作為一名60歲的女性殺手，在組織內外都面臨著「過氣」、「該退休了」的質疑聲浪。這種處境與現實生活中，許多中高齡者在職場上面臨的困境如出一轍。

在YouTube上，這支「博愛座篇」預告觀看次數超過8萬次，許多網友留言表示：「這預告太有梗了！」、「終於有電影敢直接談年齡歧視了！」、「李慧英的眼神超殺，誰敢叫她讓座？」。這種將電影主題與社會議題結合的宣傳手法，不僅提高了電影的能見度，也讓觀眾在進戲院前就對電影的核心議題有所共鳴。

演員陣容：實力派演員的精彩交鋒

《聖母殺手》的演員陣容可謂星光熠熠，每位演員都為角色注入了獨特的生命力：

李慧英 飾演 爪角
百想藝術大賞影后李慧英在片中飾演傳奇殺手爪角，這是她從影以來最具挑戰性的角色之一。為了演好這個角色，李慧英接受了嚴格的體能訓練和武術指導，甚至在拍攝動作戲時傷及肋骨，但她堅持親自上陣，敬業精神令人敬佩。她在受訪時曾表示：「爪角這個角色讓我思考了很多關於年齡、價值和生存的意義。」

金聖喆 飾演 鬥牛
新生代演員金聖喆在片中飾演桀驁不馴的新秀殺手鬥牛，這個角色將爪角視為眼中釘，不斷挑釁、跟蹤，兩人之間的緊張關係是電影的重要看點。有趣的是，金聖喆還為電影演唱了主題曲〈碎片〉，在YouTube上公開的MV獲得不少好評。

延玗臻 飾演 姜醫師
以韓劇暖男形象深植人心的延玗臻，在片中飾演救了爪角一命的姜醫師。這個角色成為爪角生命中意外的羈絆，也讓她開始反思自己長年遵循的「絕不能擁有要守護之物」的訓誡。延玗臻在台灣宣傳時特別錄製影片向觀眾打招呼，展現親和力。

金武烈 飾演 柳
實力派演員金武烈飾演爪角的師父柳，這個角色立下了「絕不能擁有要守護之物」的殺手鐵則，但他的存在也暗示著殺手生涯的無奈與矛盾。

申詩雅 飾演 年輕爪角
新生代演員申詩雅在片中飾演年輕時的爪角，她的演出讓人看到這個傳奇殺手過去的模樣，也為角色增添了層次感。在宣傳活動中，申詩雅與李慧英的互動溫馨，兩人還曾擁抱親吻，展現前後代「爪角」的傳承意味。

劇情深度：不只是動作爽片

《聖母殺手》雖然被歸類為動作懸疑片，但它的深度遠超一般商業動作片。電影透過爪角的處境，探討了幾個核心議題：

1. 年齡歧視與價值重估
爪角在組織內被視為「過氣」殺手，這種處境反映了社會對中高齡者的普遍歧視。電影中有一句台詞令人印象深刻：「你不會因為東西舊了就丟掉它，即使它已經沒有價值。」這句話道出了爪角對自身處境的無奈與反抗。

2. 殺手的人性掙扎
爪角長年遵循師父「絕不能擁有要守護之物」的訓誡，過著獨來獨往的生活。但當她遇到姜醫師後，內心深處的情感被喚醒，這種脆弱的情感卻讓她陷入前所未有的危機。這種人性與職業的衝突，讓角色更加立體。

3. 師徒與競爭關係
爪角與鬥牛之間的關係複雜多變，從最初的敵對到後來的微妙連結，反映了殺手世界的殘酷與無奈。同時，爪角與師父柳的關係也暗示著殺手生涯的傳承與代價。

動作設計：60歲女殺手的實戰美學

《聖母殺手》的動作場面設計獨具匠心，有別於一般動作片強調的華麗招式，電影中的打鬥更注重實戰性與策略性。爪角作為經驗豐富的殺手，她的動作不追求花俏，而是講求效率與致命性。

導演閔奎東在受訪時表示：「我們希望呈現的是一個真實的60歲殺手該有的動作樣貌。她可能沒有年輕人的爆發力，但她有經驗、有技巧，知道如何用最省力的方式達成目標。」這種設計理念讓電影的動作場面更有說服力，也更能凸顯角色的特質。

特別值得一提的是，電影中爪角使用〈給愛麗絲〉作為行動暗號的設定，這個古典樂曲與殺手行動的結合，創造出一種詭異又優雅的美學對比。當〈給愛麗絲〉的旋律響起，觀眾就知道爪角要開始「清除社會垃圾」了。

社會迴響：從電影到現實的對話

《聖母殺手》上映後，在韓國和台灣都引發了廣泛的討論。在韓國，電影觸動了社會對中高齡就業問題的敏感神經；在台灣，「博愛座」預告則讓年齡歧視的議題再次浮上檯面。

在YouTube上，關於《聖母殺手》的影片類型多元，從官方預告、幕後花絮到電影解說都有。其中，官方頻道「잇츠뉴 It’sNEW」發布的預告片觀看次數最高，第二波預告更突破82萬次觀看，顯示電影的高人氣。

電影解說頻道「新一看劇」製作的《聖母殺手》完整解說影片，也有近萬次觀看，許多觀眾在留言區討論電影的劇情細節和社會寓意。有網友留言：「這部電影讓我想到我媽媽，她60歲了還在職場上奮鬥，但常常被年輕人看不起。」

國際影評網站上，一位名為MovieGuys的影評人給予電影8分的高評價，他在評論中寫道：「《聖母殺手》的主題不僅是關於殺手的故事，更是關於社會如何『貶值』老年人。這是一部高於平均水準的電影，劇本創意而複雜，動作場面出色，演員表現紮實。」

文化意義：韓國電影的類型突破

《聖母殺手》的成功，標誌著韓國電影在類型上的又一次突破。過去，動作片的主角多是年輕男性，女性角色往往只是陪襯或愛情線。但《聖母殺手》不僅以60歲女性為主角，更讓她成為真正的動作英雄，這種設定在亞洲影壇相當罕見。

電影也反映了韓國社會對人口老化問題的關注。根據統計，韓國是OECD國家中人口老化速度最快的國家之一，中高齡者的就業與社會參與成為重要議題。《聖母殺手》雖然是商業娛樂片，卻巧妙地將這個社會議題融入劇情中，讓觀眾在享受動作場面的同時，也能思考更深層的社會問題。

此外，電影對殺手組織「新星防疫」的描繪，也暗喻了現代企業的競爭文化。組織將殺手視為可替換的零件，當爪角年紀大了、效率低了，就被視為應該淘汰的「過時產品」。這種隱喻讓電影有了更廣泛的社會批判意義。

觀影建議：適合哪些觀眾？

《聖母殺手》是一部多層次的電影，適合不同類型的觀眾：

動作片愛好者：電影的動作場面設計精良，實戰感強，不會有過度誇張的武打。

社會議題關注者：電影對年齡歧視、社會價值等議題有深刻探討，能引發思考。

韓國電影粉絲：電影展現了韓國類型片的高水準製作，從劇本、演技到技術層面都有可看之處。

文學改編作品愛好者：電影忠實呈現了原着小說的精神，同時也做了適合影像化的調整。

值得注意的是，台灣上映的版本是「限制級一刀未剪版」，與韓國上映版本有所不同，動作場面的痛感更加直接，適合喜歡硬派動作片的觀眾。

結語：打破框架的勇氣

在2025年的尾聲回望，《聖母殺手》無疑是今年韓國電影中最具話題性的作品之一。它不僅是一部成功的商業電影，更是一次對社會成見的挑戰。透過爪角這個角色，電影告訴我們：年齡不該是價值的衡量標準，經驗與智慧往往比年輕的肉體更有力量。

電影中，爪角有一句台詞：「現在我知道你是誰了。」（Now I see who you are.）這句話不僅是對敵人的宣告，也是對自己的確認。在經歷了組織的背叛、年輕殺手的挑釁、意外情感的衝擊後，爪角終於看清了自己的價值與定位。

在這個崇尚年輕、效率至上的時代，《聖母殺手》提醒我們：每個年齡都有其獨特的價值，每段人生都有其不可替代的意義。或許，我們都該學習爪角的勇氣，在面對社會的偏見與質疑時，堅定地說出：「我坐在這裡，因為我有這個權利。」

《聖母殺手》現已可在各大串流平台觀賞，但如果有機會，還是推薦在大銀幕上體驗這部電影的震撼。畢竟，有些戰鬥，值得用最大的畫面見證。

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韓國電影 | 動作片 | 社會議題 | 李慧英

前言：何以為家？《歲歲平安》的雙面父親命題

電影《歲歲平安》海報。故事核心圍繞「家」的定義與女性「歲歲」尋找歸屬的旅程展開。

2025年末上映的電影《歲歲平安》，以其鋒利的現實筆觸，剖開了一個因「重男輕女」而支離破碎的家庭。當觀眾為被拋棄的女兒「歲歲」（段奧娟 飾）的命運揪心時，影片中兩位關鍵的父親形象——生父唐東明（趙虎 飾）與養父劉建凱（蔡沅江 飾），構成了故事最深刻的對照組。他們代表了「家」的兩種截然相反的定義：一種是基於血緣、卻充滿計算與缺席的「原生之家」；另一種是毫無血緣、卻提供純粹接納與守護的「選擇之家」。本文將深入分析這兩位父親，探討《歲歲平安》如何通過他們，質問傳統家庭倫理，並指向一種超越血緣的情感救贖可能。

缺席的父親：唐東明與結構性失語

在《歲歲平安》的悲劇起點，父親唐東明的形象是模糊而壓抑的。他是計劃生育年代那個渴望「傳宗接代」的丈夫，是默許甚至推動將女兒歲歲送走的決策者之一。演員趙虎的演繹，精準捕捉了這類父親在傳統家庭結構中的複雜性：他未必是面目猙獰的施害者，更像是一種系統性壓力的載體與共謀者。

角色深度解析：唐東明的「父愛」被異化為對「兒子」平安的執著。他的選擇，體現了父權結構下將子女工具化、性別價值化的冷酷邏輯。當家庭危機（兒子患病）爆發，他與妻子李枚（劉威葳 飾）尋找歲歲的動機，並非出於懺悔與思念，而是帶著明確的醫療功利目的。這種「有條件的尋找」，讓血緣紐帶淪為最殘酷的諷刺。

影片中，唐東明與歲歲之間幾乎沒有真正的對話與情感交流。他的「父職」是缺席的，不僅是物理上的，更是情感與責任上的。這種缺席，構成了歲歲童年創傷中最基礎的底色——一種被血緣最親近的人「視而不見」的根本性否定。

港灣的塑造者：劉建凱與「非典型父愛」的救贖

演員蔡沅江飾演的漁夫劉建凱

與唐東明形成鮮明對照的，是由蔡沅江飾演的漁夫劉建凱。他生活在船上，以打漁為生，社會身份邊緣，卻給予了流浪的歲歲一個真正的「港灣」。劉建凱的父愛是「非典型」的：

• 無條件接納：他收留歲歲，不問她的過去，不計較她的未來是否能「回報」。
• 沉默的守護：他的關愛體現在一餐一飯、一舟一槳的日常中，而非言語的承諾。
• 平等的關係：他們「以父女相稱」，但關係更像相依為命的夥伴，祛除了傳統父權的威嚴。

劉建凱這個角色的偉大之處，在於他重新定義了「父親」的功能。他不是一個給予者或統治者，而是一個庇護所和同行者。他修復的並非物質生活，而是歲歲對「關係」和「安全感」的基本信任。這段江上時光，是歲歲破碎人生中罕見的穩定片段，為她日後面對原生家庭風暴，積蓄了關鍵的情感力量。

「血緣」與「選擇」的終極交鋒

電影的高潮衝突，自然是歲歲的生父母前來「認親」。此時，電影完成了對兩種「家」理念的終極拷問。

劇照：歲歲（段奧娟 飾）與生母李枚（劉威葳 飾）的複雜對峙。血緣的牽絆與情感的疏離形成張力。

一邊是帶著沉重過往與明確索取目的的血緣之家，另一邊是只給予溫暖和庇護的選擇之家。歲歲的掙扎，是所有在原生家庭中受傷的個體的縮影。電影並未給出簡單的答案，而是讓歲歲帶著知曉一切的清醒，與生母互相試探、利用。這種複雜性，正是影片超越道德批判、深入人性幽微之處的體現。

劉建凱的存在，像一面清澈的鏡子，照出了唐東明所代表的那種功利化、責任缺失的父愛的蒼白。它也向觀眾提問：家的核心究竟是生物學上的遺傳密碼，還是日復一日共同構建的情感記憶與相互擔當？

🎬 觀影延伸思考

《歲歲平安》中這種「非血緣親情」的描寫，讓人聯想到其他經典影片，如《我們倆》、《如父如子》等，它們都挑戰了「血濃於水」的單一敘事。這類作品共同拓寬了我們對家庭、親情與責任的理解維度。

演員的塑造：沉默的力量與壓抑的張力

角色的成功離不開演員的賦形。蔡沅江飾演的劉建凱，幾乎沒有長篇台詞，他依靠眼神、細微的動作（如做飯、修船）和沉默的陪伴，建立起一個如山如海般可靠的父親形象。而趙虎則演活了唐東明那種被生活與傳統壓彎了腰的、隱忍又自私的普通男人，他的「無力感」正是其角色悲劇性的來源。

兩位女性主演——飾演歲歲的段奧娟與飾演母親李枚的劉威葳，則在這兩種父愛構築的夾縫中，演繹出極致的痛苦與掙扎。尤其是段奧娟，從流浪少女的警惕，到江上生活的短暫鬆弛，再到面對生母時的複雜心緒，其表演層次豐富，扛起了這部電影的情感核心。

結語：歲歲平安，何處是家？

電影中霧氣朦朧的江岸，象徵著歲歲迷茫的過去與未知的未來，但也隱含著一片可能的新生之地。

《歲歲平安》透過唐東明與劉建凱這組對照，完成了對中國式家庭倫理的一次深刻反思。它告訴我們，血緣賦予了生命的起點，但並不能自動擔保愛與責任的終點。真正的「家」，不應是一個無法選擇的命運牢籠，而可以是一個主動選擇、相互滋養的情感共同體。

劉建凱那艘飄搖卻溫暖的漁船，為歲歲——也為所有在原生家庭中受傷的靈魂——提供了一種新的想像：家，可以很小，很簡單，但它必須是一個讓你感到安全、被無條件接納的港灣。願每個「歲歲」，最終都能找到讓自己內心平安的歸屬，無論它是否與血緣有關。

「歲歲平安」是最美好的祝願，而實現它的前提，是每個孩子都能被珍視，每份父愛都能超越計算，回歸純粹的守護。

前言：一場明知不可為而為之的較量

《歲歲平安》電影海報。這部聚焦家庭創傷與女性命運的作品，在喧囂的市場中試圖講述一個安靜的故事。

2025年12月的中國電影市場，因為《阿凡達3》的降臨而顯得格外喧囂。這部投資5億美元的科幻巨製，憑藉震撼的視效與強大的IP號召力，首日內地票房即破億，並牢牢佔據了IMAX、CINITY等特效廳的排片。在這樣的「巨無霸」陰影下，多部原定上映的國產片選擇了避其鋒芒，撤檔或延期。然而，一部名為《歲歲平安》的小成本劇情片，卻選擇在12月16日上映，與《阿凡達3》的檔期近乎重疊。結果是殘酷的：上映四天，累計票房僅48萬元人民幣，累計觀影人次不到1.4萬，排片率從首日的1.4%被進一步壓縮。這場「段奧娟大戰卡梅隆」的市場實驗，以一種悲壯的方式，再次將中國小成本文藝片、現實主義題材電影的生存困境，赤裸地擺在了檯面上。

數據對比：一場從開始就註定的「不對稱戰爭」

要理解《歲歲平安》的處境，冰冷的數據是最直接的鏡子。一邊是投資數億美元、擁有全球粉絲基礎、以技術革新為賣點的系列大片《阿凡達3》；另一邊是投資規模未知、無明星大腕、講述中國本土家庭傷痕故事的《歲歲平安》。這種對比，本質上是兩種電影工業模式、兩種觀影期待的碰撞。

市場現實：據報導，面對《阿凡達3》的強勢，業內形成了某種「默契」，許多影片為其讓出近十天的市場空間。《歲歲平安》的「逆流而上」，在商業邏輯上顯得格格不入。最終，其片方分帳票房僅約16萬元，對於一部電影的製作與宣發成本而言，無疑是杯水車薪。

導演在路演中無奈自嘲：「段奧娟可以大戰卡梅隆，劉歲歲可以單挑阿凡達。」 這句玩笑話背後，是創作者在市場鐵壁前的複雜心情——既有對作品的堅持，也有對現實的無力。觀眾用腳投票，是電影市場最根本的規則。當技術鴻溝與觀影習慣的差異擺在面前，僅憑「情感深刻」「故事動人」的口碑，難以撼動追求極致視聽體驗的主流消費選擇。

現象透視：這不只是《歲歲平安》一部的困境

《歲歲平安》的案例並非孤例。它實際上是一個結構性問題的縮影。有分析指出，在過去三年裡，至少有七部國產片選擇與好萊塢大片正面對抗，最終票房均未超過三百萬，平均虧損達五千多萬。這揭示了一個殘酷的現實：在當前的市場環境與觀眾偏好下，中小成本劇情片與視效大片的「檔期硬剛」，幾乎是一條通往商業失敗的單行道。

電影《歲歲平安》劇照。影片深入刻畫了被遺棄的女兒「歲歲」（段奧娟飾）與充滿愧疚的母親「李枚」（劉威葳飾）之間複雜的情感，其現實主義筆觸與社會關懷，在喧鬧的檔期中顯得格格不入。

反觀成功案例，《哪吒之魔童鬧海》精準押注春節檔，創造了票房神話；劉德華、古天樂等資深電影人也多次強調選擇合適檔期的重要性。這說明，「避其鋒芒」而非「以卵擊石」，已成為行業內心照不宣的生存智慧。《歲歲平安》的「失利」，與其說是作品質量的失敗，不如說是市場策略與當前消費環境錯配的結果。

深層追問：現實主義故事，路在何方？

《歲歲平安》的故事本身，具有強烈的社會意義。它講述了在計劃生育背景下，母親李枚（劉威葳飾）為生二胎而將女兒歲歲送走，多年後又因兒子患病需骨髓移植，不得不尋回被棄女兒的倫理困境。影片觸及重男輕女、家庭責任、創傷與救贖等深刻議題，這類具有現實關懷的作品，是一個健康電影生態不可或缺的部分。

然而，當這類影片在商業市場上舉步維艱時，我們必須思考：它們的出路在哪裡？

1. 錯位競爭與精準定檔：如清明檔、中秋檔等非傳統大檔期，正逐漸成為現實主義題材的「試驗田」。這些檔期競爭相對較小，觀眾對多樣化內容的接受度可能更高，適合《歲歲平安》這類需要靜心品味的作品。
2. 發行模式的創新：依賴全國大院線的統一排片，對文藝片極不友好。或許可以借鑒「藝聯專線」等模式，與特定藝術影院聯盟合作，進行長線、小範圍的放映，精準觸達目標觀眾。
3. 宣傳策略的轉向：與其和視效大片比拼場面，不如深耕社群口碑與話題營銷。電影中關於「重男輕女」、「原生家庭」的議題，在社交媒體上極易引發共鳴與討論，這應成為其宣傳的核心發力點。

影評視角：正如一些影評人所指出，現實題材電影的價值不在於拯救誰，而在於讓每個靈魂被「看見」。《歲歲平安》的力量，在於它讓「歲歲」們的掙扎被看見。市場的冷淡，不應淹沒這種「看見」的價值。

結語：電影市場的繁榮，需要多元的底色

電影《歲歲平安》的背景畫面，其沉靜、壓抑的視覺風格，與商業大片的絢爛形成鮮明對比。電影市場的健康，需要容納不同色彩的存在。

《歲歲平安》對撞《阿凡達3》的案例，是一堂沉重的市場課。它再次證明，在現階段，單憑勇氣與情懷無法對抗成熟的工業體系和固有的市場偏好。然而，這堂課的意義不應止於「教訓」。一個只有《阿凡達》的電影市場是乏味的，也是不健康的。中國電影市場的真正成熟與繁榮，恰恰在於能為《歲歲平安》這樣的作品，留出一方不被擠占的空間，找到一條可持續的生存路徑。

這需要片方更聰明的策略，需要影院更靈活的排片機制，也需要觀眾更多元的選擇眼光。但願未來，我們談論「歲歲平安」時，不僅僅是一個關於票房失利的案例，更能看到它代表的這類電影，能夠真正找到與其價值相匹配的、安身立命的方式。

「歲歲平安」，本是中國人最深切美好的祝願。但對於這部同名電影和它所代表的創作力量而言，如何能在市場的驚濤駭浪中歲歲平安，仍是整個行業亟待解答的命題。